请问什么叫副歌部份前两天看新浪网
一般流行歌曲的结构是以主题（A），副歌（B），过度句（插句）（C），流行句（记忆点）（D），桥段（序唱，过门，间奏）（E）等组成，一般来说，单二部曲式最为多见。
副歌：
因为副歌有重复，对比两大功能，副歌就成为流行歌曲必不可少而普遍采用的曲式结构。 这就是A－B的基本曲式形式结构，大部分歌曲的流行句式，记忆点都设置在副歌部分。
写好副歌，甚至先写出副歌部分，是许多流行歌曲作家常常采用的写作步骤，并获得成功。
副歌的动能：
1， 对比性：在节奏上，情感上一定要与主歌形成对比，为曲调提供较大的对比变化
2， 重复性：在流行句式上获得重复或变化重复，是流行歌曲传播最重要因素，不可不在意，但也不...全部
一般流行歌曲的结构是以主题（A），副歌（B），过度句（插句）（C），流行句（记忆点）（D），桥段（序唱，过门，间奏）（E）等组成，一般来说，单二部曲式最为多见。
副歌：
因为副歌有重复，对比两大功能，副歌就成为流行歌曲必不可少而普遍采用的曲式结构。
这就是A－B的基本曲式形式结构，大部分歌曲的流行句式，记忆点都设置在副歌部分。
写好副歌，甚至先写出副歌部分，是许多流行歌曲作家常常采用的写作步骤，并获得成功。
副歌的动能：
1， 对比性：在节奏上，情感上一定要与主歌形成对比，为曲调提供较大的对比变化
2， 重复性：在流行句式上获得重复或变化重复，是流行歌曲传播最重要因素，不可不在意，但也不能对情绪不加以克制
3， 发展与概括性：歌曲的高潮往往设计在副歌内出现，而高潮的内容往往要求概括性。
歌曲的演绎是需要很多方面表现的。
第一当然是声音。这是一个很专业的学问，包括气息、用嗓、口腔共鸣、吐词方式等。以后的文章中，我会把我知道的尽可能的与大家交流。
第二是情感。
这需要歌手对词、对旋律的感悟要强，很多朋友演唱时把全部的重点都放在了声音的部分，而忽视情感，这绝不会唱好一首歌。过分注重声音的原因，是因为歌手的实力有限，演唱过程中老想着到哪里要注意气息了、哪里要注意换气了、快到高音的时候要准备了等，这都是无可避免的。
所以，如果唱歌要做到“声情并茂”，练功相当重要。当你练声成熟的时候，演唱时的注意力才会到情感上来。有句话说得好，歌不是用嘴唱的，而是用心唱的。如果发声练到气息贯通、炉火纯青的地步，演唱就更随心所欲的注入情感，演绎歌曲的感染力会更强。
第三是感受。这里再次强调，音乐的感受是天生的，你有多少就是多少，后天弥补的音乐感受很少很少。流行歌曲需要流行歌曲的感受，民歌需要民歌的感受，比如你要阎维文唱“一无所有”，我敢保证会笑翻一帮人！歌手的感受不同，演唱歌曲的处理方式也不同，有的处理得很平淡，有的处理得扣人心弦。
这些处理都是很微妙的，比如一个小小的换气、一个强调的重音、一个不换气的长拖音或者一个骤然的收尾……这些就只能意会了。
第四是节奏感和音准。你见过一个3岁多的小孩听到一个旋律就能敲打出加花的节奏吗？你见过一个3岁多的小孩现场演唱，爸爸给他手风琴伴奏，随时改变音调，他进唱的音调都是准确的吗？你见过一个8岁的小孩在没听到任何声音的情况下，要他随时哼出“降E”、“升C”等任何音调的“1”的发音，哼完后在键盘上按下核对完全准确的吗？这就是天分，演唱歌曲需要这样的基础，虽然不要他们那样出众,但一定不能弱。
第五是素质。这就是业余歌手和专业歌手的区别。其实光在声音、情感、感受、节奏、音准这些方面比较，业余歌手有很多不比专业歌手差。差距就在素质。你知道自己唱歌时的形体和表情吗？你可能有个模糊的形象，就是你投入演唱时自己想象自己的模样，而这个形象很可能是你唱的这首歌的原唱的形象。
但这些都是你的想象，自己想象的形象几乎是完美的。你知道大家看到是什么吗？你用摄像机拍摄过自己的一次正式演唱吗？其实当你上台的第一个眼神或者第一句话，就能知道你是业余还是专业。这里说的素质还包括对乐理的了解、乐器的了解、对音乐史以及对音乐常识的了解等，当然也有很多专业歌手也不全面，但我个人认为，如果要做专业歌手，就应该贯彻这些，要对得起“专业”这个词。
理解歌词
在学一首新歌之前，有几次你是先把词从头到尾在心里读一遍的？又有几次揣摩过撰词者的心思和他表达的意境？一首歌曲，无论是先有词还是先有曲，双方作者都是认真揣摩对方（词作者或曲作者）要表达的意境和思想，如果到了你这里，你居然完全不理会他们的用心良苦，就这么凭着自己的感觉唱，我觉得不妥。
有些个性歌手喜欢按照自己的理解这样表达自我，这种方式不是不好（而且我也喜欢这样），但我会先把作者的意图先搞明白再发挥。再说不是每首歌曲都适合你任意发挥的，有些词曲你找不到更合适的表达，比如国歌。
在你深刻理解歌曲以后，你的情感处理方面一定会好很多，如果你的感悟能力强，你会情不自禁的把某个音唱重，某一个音轻轻带过，一个激情的长音会拖得很饱满……
话和唱歌，除了旋律、节奏、气息，还有其它区别吗？有，那就是吐词的方式。
请你随意的用你说话的方式读出“让我一次爱个够”，然后投入的把它唱出来……会发现唱的时候嘴型是向两边打开的，而且要夸张一些。如果你觉得差不多，就是你的吐词有问题。所以唱歌要比说话嘴型要夸张，这样吐词才会更清晰、气息更通畅、更宜于表达情感。
演唱国语歌，还是标准的好。比如“Z、C、S”和“an、ang”和“L、N”的区别是很容易搞混的。港台歌星有时会把个别字故意唱得不卷舌或卷舌，要不就是自己的舌头打不过来、要不就是他们觉得那样不好听，或者他们根本就不知道这个发音。
当我们翻唱他们的这些歌曲时，我没有明确的主张，为了模仿，不纠正也行。但如果是要唱自己的风格或比赛，那就要改正了。
关于粤语歌，劝你们还是学好再唱，要不很容易搞笑的。就像我以前唱粤语歌一样，自认为标准，现在才知道有差距。
粤语中也有类似与国语中的“Z、C、S”和“an、ang”的微妙区别，不认真学是学不好的。
气息
说道这个话题，就有些茫然，因为这是最不好用言语表达的东西。
我在唱歌之前，练美声两年，给我的感悟很深，气息基础对我的帮助很大。一般没有学过声乐的人发声很平，就用平常说话的位置（嗓子）发音，我们叫它声音发“白”，没有色彩、没有过滤。以下我就表述一下美声练声的方法。
声音应该以小腹为根源，想象声音透过后脊梁，到脑后，到口腔后根，整个声音应是竖立的，靠后的。请找一找这样的感觉：你大口咬一口苹果，露出上牙齿，在一口咬下去的同时，发出“嗯”的声音，感觉声音在口腔后部和鼻腔上部的位置，这就是美声发声的一个共鸣点。
接下来把气息下沉，小腹膨胀，稍在小腹用力一顶，在刚才的位置发声，男声喉结压下，女声多注重声音在脑后靠上的位置，你会发现声音比以前要大多了。经常靠墙练习有助于发声，因为靠墙可以接触你的后脊梁，让你更容易找到感觉，并且胸腔的共鸣能和墙产生共振，让你更容易找到胸腔共鸣的感觉。
先从“米～妈”的练习开始，逐步升高，有助于练习高音气息；再从高往低练习，这样反复，总有一天你会找到感觉的。美声讲究“通透”，经常想象自己的声音是竖立的，而不是扁平的；另外还讲究的是“共鸣”，声音通过胸腔或胸腔以上的共鸣后，会很圆润、饱满。
要体会共鸣，你可以这样做：闭上嘴巴，发出“嗯”的音，稍带点深情的感觉，“嗯”的长一点，会感觉头和胸前在震动，如果气息好，这种共鸣会给你的声音添色不少。仔细听听一些高大的美国人讲话，就会知道什么叫胸腔共鸣了（外国人的胸腔结构更容易产生共鸣）。
另外我还要提到的是肺活量，歌手演唱需要较大的肺活量，比如一些很长、不换气的某句旋律，可不要唱完以后面红耳赤、只喘粗气。肺活量要经常锻炼身体才能保持。还有就是掌握一定的技巧可以弥补一些肺活量不足的现象。
首先就要练气息，好的发声方法它能很好的控制声音通过嗓门的流量，比如唱到“……不怕你背叛我……”这一句时，气息不稳的歌手可能一下就把“怕”字的音以爆破的方式唱出来，一下就把本来肺活量不足的气放跑了，如果后面有不换气的长句不把他憋死才怪。
而气息功底好的歌手能控制这些爆音的流量，演唱时话筒也不会出现一些扑声。所以我建议大家练声的时候嘴前放一盏蜡烛，尽量练声时保持蜡烛不摇晃吧！这样你的气就会保持在你的体内长一些时间。想想你是一直往外呼气坚持得久还是憋住不出气保持得久呢？当然这还需要歌手要放松，不要紧张，一紧张，心脏跳动加快，你的气息就更稳不住了。
这里我只能讲这么多，这些是要靠感悟的。不过我要提醒的是，练声是演唱流行歌曲基础，千万不要用练声的方法直白的演绎流行歌，那样就过于做作，就会像阎维文唱“一无所有”。
关于流行歌曲的用嗓，我的观点是只要符合歌曲意境，要喊要破也未尝不可，但这些都是美声中绝对禁止的，所以我们要取长补短，因为我们不是为了唱美声而练美声，我们是为了唱好通俗才练美声，就像武术要练马步一样，你见过打架的时候蹲着马步打的吗？
有朋友说这样的表述很难理解，要我说说流行歌手里谁的气息很通透，就照着感觉去学更容易领悟，这也是一个有效的方法。
个人认为，女歌手你们就多听一下“张惠妹”的吧，她可是天生通透的气息；男歌手就多揣摩一下“满文军”的吧，他可是真正靠气息在唱歌的，另外，张学友的气息很好，但对于教学，满文军更适合。
高音
这是朋友们最喜欢问的一个问题，用他们的话，因为高音“够拽”，呵呵！再次补充一下，好的演唱要综合很多方面，不能说高音越高就是唱得越好。
确实，很好的高音能给歌曲的高潮部分增添渲染力，但奉劝朋友们不要只知道高音的价值而忽略中低音，其实饱满的中低音也很有感染力。
唱高音的时候，气息一定是以小腹、丹田为根基的，京腔讲究“丹田气”也是指的这种发声位置。
找找感觉1：如果你是一个女孩，鞋子上突然有一只老鼠，你会怎样？估计会“啊～”的一声长鸣，并且还有“假声”的发声位置。等你平静之后，你在“啊～”一下看，大多数再也“啊”不上去了。
为何？因为你收到惊吓的的那一刻，你的小腹在紧张，（想想被惊吓的感觉，是不是全身肌肉绷紧？）正因为有了这样的根基，加上一股强大的气流（可以理解成唱歌的气息），直冲嗓子眼，声音不高才怪。所以，你可以把飙高音的感觉理解成“紧张”、“振作”，记住，一切以小腹为根基，要唱高音不是抬起头往上扯的，是感觉重心向下的一种反弹力。
找找感觉2：见过橡皮水管吗？要水管里的水飙向更远怎么办？掐紧水管前端，缝隙一小，压力增大，水就冲得更远。其实高音不一定要音量很大，有些歌手演唱高音时唱出很大的声音，我们说那是用力气和肺活量在唱，而不是在用气息和技巧在唱。
想象水龙头理论，应该可以悟出些道理。
找找感觉3：地上有一块很大的石头，把它搬起来吧。你一弯腰，嘴里数数：“一、二、三、走……”，我想这个“走”字你一定用了气息。我不多说了，感觉一下吧，身边有些什么重的……呵呵！这只是一些我创立的让你感觉气息的方法，不正规，但很有效。
还要告诉大家一点，表现高音的能力与你本身嗓子条件有关，如果嗓子天生高亢是很大的优势，比如“孙楠”就是典型的高嗓子，高音演绎不会那么费力。嗓音条件不好的歌手就要靠大量的气息和方法了，但不管是嗓音条件好或不好，声音都是通过气息唱出来的，就像香烟要通过过滤嘴一样，声音过滤一下会更美。
另外我还告诉大家一种心理方法，高音时想象你是在面对广阔的大海高歌，望不到边的海天一色，这样的风光不值得你大声呐喊吗？
中低音
中低音一般要饱满、深情为好。
但也像高音一样，很多人欠缺中低音的共鸣。低音是要靠胸腔共鸣和宽大的嗓音结构才能体现的，先天性比较强。以我的经验，低音潜不下去的嗓音是很难练低下去很多，能下去几个音阶不错了。如果一定要录制低音丰富的歌，早上起来不刷牙、不洗脸直接录，声音会下去很多。
所以，中低音欠缺的人尽量避免这样的歌，扬长避短，同样中低音丰富的人一定要好好发挥它的潜质，中低音唱好是很迷人的哦！
唱低音要胸前和嗓子放松，用叹气的方式可以加强一些共鸣，实在很低的地方可以加些气息产生口腔共鸣，会感觉声音浑厚一些。
但不管怎样，嗓音天生浑厚的人的发挥余地要多得多。
唱中音要多加以润色，包括吐词换气都具有美感，当然这又与感受唱功有关，中低音多听听“蔡琴”的吧。
整体与风格
很多歌手只注意句与句的细节，把演唱的细节单位放在“句”的上面，而不是在整首歌上。
把整首歌画一条起伏的线条吧，你会知道哪里该低调、哪里该高亢了。眼光放高一点，就像足球场上的位置感一样，盯着局部怎么打出长传进攻的有效配合呢？
除非有了一定的实力，否则别谈风格。
歌手前期我赞成模仿开始，但不要单一，多唱各种风格歌手的歌，耳濡目染的就掌握了一些共鸣、唱腔以及气息的初步体验，这是好事，到了成熟以后，加上自己的练声和感悟，再挖掘自己的风格是水到渠成的事。
演唱要投入，但投入是要有一个度的，不是要你“使劲”投入，过分伤感或喜悦，在理解词意的基础上，有分寸的投入即可。
比如有些类似的词：“……你怎么舍得我难过……”，我就见过唱得痛苦至极的人，那样就没有感染力了，反而觉得好笑。但我也见过一个真正失恋的朋友在卡拉ok唱这首歌，演唱的时候面无表情、唱得很平静，嗓音沧桑，唱腔演绎出来的那种无奈和孤独感染了现场的每一个人。
我觉得这就是刚刚好的分寸，不需要抱头痛哭。但又有几个人随时能演绎这么到位的呢？这就要靠歌手的音乐感受了。
再给大家举个例子：有些朋友在模仿歌星时，不自觉的夸大了明星的特点，比如模仿张学友时，会过分压着嗓子做出那种怪怪的厚实的声音（那时张学友早期的一个特点，现在好像不多见了）；在模仿张国荣时，会夸大他的那种大舌头似的靠后的共鸣；模仿王菲时更是那种让人觉得好笑的舌头打结的怪音。
其实仔细听听原唱，并没有那么夸张。我就听过一个声音很像张学友的朋友唱歌，每次唱学友的歌的时候都没有把握分寸，后来我劝他多些本色，反而更像原唱了。其实有时候旁观者清，多请教朋友们的意见会很有好处。
另外，情感丰富的人唱歌会比情感平淡的人要演绎得好。与歌曲中的情感产生共鸣，也需要歌手的生活阅历丰富。经历得越多，感悟得就越透彻。
这可是很多朋友追求的东西，呵呵！认为没有颤音就不够专业、不够拽。
殊不知颤音在歌曲里只是一种表达方式而已，没有颤音就不能唱好歌吗？
颤音，实质是用气息演绎歌曲的时候，强大的气流冲击口腔和鼻腔后部所产生的震动，小腹给予气息的压力产生了气流。我倒不赞成流行音乐一定要用这样死板的方式产生颤音，有些歌星通过喉结的抖动（刘德华）和嗓子眼的一紧一松（张信哲）“做”出了颤音。
这些都是一些小的技巧或是一种风格，但在很多高潮部分，他们也具有强大气流的颤音。所以，还
是那句话，气息是根本。用了气息，自然会有气流的冲击产生颤音。对于流行歌曲，有些低调的地方不需要像唱民歌一样每个字都在气息上，有时似一种悄悄话，有时像一种无奈的叹息，不会有强大的气流支持你的颤音，这时就需要你用一些小技巧来修饰你的尾音，我认为流行歌曲的颤音表现不完全靠气息顶出来，有时候抖抖喉结，控制嗓子眼里的声音也未尝不可，只要整体在歌曲的氛围之中不受影响即可。
正确控制呼吸
一方面是不会控制呼吸。如果用鼻子吸气可以改进深呼吸的技巧，可以防止过快地消失吸进的气，还可以过滤空气。歌唱者应当每日在空气新鲜的地方练习深呼吸，还必须将肺中的余气呼出，吐故纳新，如此
循环，使肺活量增大，使胸部肌肉变得结实。
运用呼吸的多少，是根据乐句的高低强弱和表现的需要而决定的。比方一句快速的乐句，就不需多用很深的气，只用短气即上胸腔的气，但必须与横膈膜的气有联系。如果唱一延长的高音，就必须用横膈膜的力量，但不排除上肋中肋的气。
我在前面说过，一个人共有12对肋骨，依附在胸骨上的是7对，因此就有上肋、中肋、下肋之分。下肋是始终托住的，上肋和中肋也需略微扩张，只是按照需要配合使用。12对肋骨的余下5对是相互衔接着的，位于背下部，只有唱又强又高的音时，下肋后面的5对才需膨胀，当然都要配合头腔使用。
凡是不用正确气息支持的歌唱，必然是挤着或压着嗓子在歌唱。因此，“在气息支持下歌唱”应作为美声唱法的第一个重要原则来遵守。但不是惟一的。例如我们建造一或二层楼房的地基就不需很深，如果建造三四十层高楼，地基挖得深并垫以钢筋水泥，才不致倒塌。
唱歌用气的道理是一样的。歌唱时横隔膜处即腰周围及上腹部需要用的力量是辩证的，不是一成不变的，是根据声音的高、低、强、弱而决定的。当学生理解了呼吸技巧是怎么一回事以后，他就会走向到达目的地的正确道路。
由于第一个字和起音是一首完整结构歌曲的一个开端，一开口唱第一个字即包含在完整的全曲之中，所以我们应当重视。民族声乐传统早就提出：“通首之调皆此字领之，通道之势，皆此字蓄之，通道之神，42皆此字贯之，通道之喉，皆此字开之。
”而美声唱法提出声音形成的过程，称作声音的起首。前面提到两种起首，除硬起首和软起首外，还有
舒气起首，共三种方法：
1．硬起首
所谓硬起首，就是声带在发出声音以前就已闭合，然后将气息的压力将声带冲开，气就随之发出，这时气是为了发出声音而起作用，但是要注意不能使声音发出时用力太猛，因为这样会造成声带过分地紧闭，使声带受到损害。
2．软起首
在软起首中，声门不是在发声之前完全闭合，而是在发声时的过程中。
3．舒气起首
这种用法是在声带闭合之前，先将气息发出。有的人声带闭合过分紧张，可以用此舒气起首法，改变他的习惯，使声带不致受损害。
以上三种起首用得较多的是软起首，良好的起音可以使声音有弹性和有持久力，并能最经济、合理地使用声带，使之以最小的消耗取得最大的发声效果，所以能延长演唱寿命。一般说来，美声学派主张初学者先多练软起首，待声音稳固后再偶尔用一些硬起首。
硬起首消耗能量大，如作为基本发声方法经常使用，则很容易导致声带疲劳甚至发生病变。
美声学派是从音质上来鉴别声区的，而不是从声音的高或低来鉴别。没有学过声乐掌握技巧之前，在声音变换的地方容易出现破裂音或音色和音量上的不统一。
一旦掌握了技巧，声音就能上下统一。要取得声区的统一，主要在几个“过度音”上。所谓“破裂音”有不同的解释。
而另有的人认为“破裂音”是指换声区，如e。和f2，有的认为是指“破裂音的前后几个音。
声乐大师们很注意采用各种办法来解决声区不统一的问题，如有时采用下行音阶，有时用有气息支持的、较轻的音量来唱各声区，以俾取得头声效果而得到声区的统一。我认为声区不统一是对生理学不够理解有关。
如果咽部开得不好，又不会利用舌头前部往前，舌头后部形成一条沟，舌根往下，则后咽壁与舌根之间形成一空间，呼吸畅通，就不会有换声区了。唱高音时上腭及后牙床一定要绷开，才能不致破裂
声音的连贯——又叫连音(1egat。
)
美声学派要求歌唱的旋律线条应像提琴或长笛演奏那样准确、轻松、连贯、自如。在训练声音连贯性的过程中，同时也训练了学生对乐曲风格和对“美”的概念的理解，没有声音的连贯性就没有旋律线条，就没有美声学派“美”的歌唱。
美声唱法最忌声音发“白”、“浅”、‘‘扁”，而追求圆润而明亮的音色和丰富的共鸣。例如唱“啊”、“a’’母音时，口型虽然是带微笑状，但口咽部分却要带点“奥”或“喔”、“。”音的成分，这种发声状况简称之为“裹。
外a”，美声学派所谓的纯正的母音“a”，实际上是在“裹。外a”。因此。唱或说话是相同但又不同。如果要字正腔圆就必须唱。时口咽部分稍带点。状，而说话时就不带。状。所谓裹。外。，或口咽部分带点。状，也即是通常所谓“提小舌头”或“作打呵欠状”。
不过“提高小舌头”，“打呵欠”或带点“。”状的程度却因声部、声音类型、音高、音量而不同，通常是低音声部比高音声部多些，戏剧性声音比抒情性声音多些，强音量比弱音量稍多些，高声区比中、低声区稍多些。
没有颤音的朋友如果铁定对颤音垂涎三尺，就从模仿开始吧——模仿救护车叫唤。好笑吧？这只是没有声乐老师在身边、一种自我揣摩的方法，当然不属于常规的声乐练习。发出“呜呜”的依次循环高低的滑音（稍快），他能让你找到抖动喉结的感觉，慢慢的吧“呜呜”的发音转变成“嗯嗯”的发音，再慢慢的转成“你～”的发音，再唱一些“你”结尾的一句歌……呵呵，这只是一种感受喉结抖动的颤音方式，与气息发声不一样，保准声乐老师看了会气死！但没件事都需要循序渐进，慢慢揣摩，不妨试试。
最后再次发表一下我的观点，我们如果眼光放高一点，这段历史时期流行强调颤音的唱法，也许再过5年后就不流行强调颤音的唱法了。何必为了没有颤音而苦恼呢？颤音虽然能有效的渲染歌曲气氛，深沉而具有穿透力，但我也愿意喜欢听一些质朴、纯洁的声音。
所以，只要用心唱就好，也许你会更有特色。
。收起
