为什么芭蕾舞发展的历史要从意大利
“芭蕾”起源于意大利，兴盛于法国，法语ballet的音译，意指：(一) 一种舞台舞蹈形式，即欧洲古典舞蹈，通称芭蕾舞。这是 在欧洲各地民间舞蹈的基础上，经过几个世纪不断加工、丰富、发展 而形成的,具有严格规范和结构形式的欧洲传统舞蹈艺术。 19世 纪以后，技术上的一个重要特征是女演员要穿特制的脚尖舞鞋用脚趾尖端跳舞，所以也有人称之为脚尖舞。(二） 舞剧，最初专指以欧洲古典舞蹈为主要表现手段，综合音 乐、哑剧、舞台美术、文学于一体，用以表现一个故事或一段情节的 戏剧艺术，称古典芭蕾或古典舞剧。 20世纪出现了现代舞以后，以 现代舞结合古典舞蹈技术为主要表现手段来表现故事内容或情节 的称现...全部
“芭蕾”起源于意大利，兴盛于法国，法语ballet的音译，意指：(一) 一种舞台舞蹈形式，即欧洲古典舞蹈，通称芭蕾舞。这是 在欧洲各地民间舞蹈的基础上，经过几个世纪不断加工、丰富、发展 而形成的,具有严格规范和结构形式的欧洲传统舞蹈艺术。
19世 纪以后，技术上的一个重要特征是女演员要穿特制的脚尖舞鞋用脚趾尖端跳舞，所以也有人称之为脚尖舞。(二） 舞剧，最初专指以欧洲古典舞蹈为主要表现手段，综合音 乐、哑剧、舞台美术、文学于一体，用以表现一个故事或一段情节的 戏剧艺术，称古典芭蕾或古典舞剧。
20世纪出现了现代舞以后，以 现代舞结合古典舞蹈技术为主要表现手段来表现故事内容或情节 的称现代芭蕾。逐渐地,芭蕾一词也用来泛指用其他各种舞蹈为主 要表现手段的舞剧作品，尽管在舞蹈风格、结构特征、表现手法等方 面均不同于古典芭蕾或现代芭蕾。
(三) 在现代编导创作的舞蹈作品中，有相当一部分没有故事 内容，也没有情节，编导运用欧洲古典舞蹈或现代舞蹈，或使两者相 结合，用以表现某种情绪、意境,或表现作者对某个音乐作品的理解 等，这些也称为芭蕾。
ballet—词,源于古拉丁语ballo。最初，这个词只表示跳舞，或 当众表演舞蹈，并不具有剧场演出的含义。芭蕾作为一门舞台艺 术，孕育于文艺复兴时期意大利盛大的宴饮娱乐活动,17世纪形成于法国宫廷，这种宫廷芭蕾实际上是在一个统一的主题下，具有松 散结构的舞蹈、歌唱、音乐、朗诵和戏剧的综合表演，由专业的舞蹈 教师设计，国王和贵族担任演员，女角也由男子扮演，表演场地在皇 宫大厅中央，观众则围绕在大厅周围观看，演员戴皮制面具标志不 同角色，故又称假面芭蕾。
1661年，路易十四下令在巴黎建立皇家舞蹈学院。17世纪70 年代芭蕾演出开始使用黎塞留主教宫廷剧场。演出场地和观众观看角度的改变，引起了舞蹈技术和审美观点的变化，演员站立的姿 势越来越外开，由此正式确定了脚的5个基本位置。
这5个外开的 位置成为发展芭蕾舞技术的基础。专业芭蕾演员应运而生，并逐步 取代了贵族业余演员，职业女芭蕾演员也开始登台演出，舞蹈技术 得以迅速发展。芭蕾演出从基本上是一种自娱性的社交活动逐步 转变为剧场表演艺术。
这个时期的芭蕾是从属于歌剧的，宫廷作曲 家J。B。吕利在歌剧中加入芭蕾场面，实际上是一连串舞蹈表演，剧 情反而显得无关紧要，这时称为歌唱芭蕾或芭蕾歌剧。这种状况一 直持续到18世纪中叶。18世纪的芭蕾大师J。
G。诺韦尔是芭蕾史上 最有影响的舞蹈革新家。他在1760年出版的《舞蹈与舞剧书信集》 中首次提出了“情节芭蕾”的主张，强调舞蹈不只是形体的技巧，而 属于戏剧表现和思想交流的工具。诺韦尔的理论推动了芭蕾的革 新浪潮，在他和许多演员、编导的持续努力下，芭蕾从内容、题材、音 乐、舞蹈技术、服饰等方面都进行了一系列改革，这些改革使芭蕾终 于能够与歌剧分离，形成一门独立的剧场艺术。
在芭蕾发展史上，主要有两种美学观点一直在起作用。一种观 点认为，芭蕾是“纯粹的舞蹈”，16世纪的意大利舞蹈教师、《王后的 喜剧芭蕾》的编导B。de博若耶认为芭蕾是“几个人在一起跳舞的几 何图案组合”。
这种观点完全着眼于芭蕾的形式美，几乎完全不考 虑芭蕾的内容或情节，往往导致单纯追求技巧的高超、华丽。18世 纪中叶以前,这种观点在芭蕾创作中居统治地位。另一种观点强调 芭蕾是“戏剧性舞蹈”，诺韦尔的“情节芭蕾”理论最集中地代表这种观点。
他认为在一部芭蕾作品中，舞蹈要表现戏剧性内容，“情节 和舞蹈设计要保持统一,有合乎逻辑的、明白易懂的故事作中心主 题，和情节无关的独舞及舞蹈片段都得取消”，舞剧中“不仅是舞蹈 技术光辉夺目，更需通过戏剧性表现，从情绪方面感动观众”。
上述 两种主要观点至今仍在起作用，不少编导致力于创作戏剧性的或有 情节的芭蕾作品，也有的编导热衷于无情节芭蕾，注重形式美，两类 作品中的优秀剧目都是观众所欣赏的,并作为保留剧目经常上演。 20世纪以来，各种文艺思潮对芭蕾创作的影响越来越明显,出现了许多不同风格的作品。
创作一部芭蕾作品，编导是关键人物，他根据文学剧本(或一个 故事、一首诗、一部音乐作品）构思出舞剧结构或舞蹈结构,再由演 员来体现。编导和演员都必须掌握芭蕾语言（或芭蕾语汇)——芭 蕾技术技巧，以及运用芭蕾语言表现特定内容或情绪的能力。
编导 应该深谙它们长于表现什么，不能表现什么;而演员则应该训练有 素，能适应并创造性地体现编导的构思。只有具备这些基本条件， 芭蕾创作才能进行和完成。芭蕾结构形式有独舞、双人舞、三人舞、 四人舞、群舞等，编导运用古典舞、性格舞（舞台化的民族舞蹈和民 间舞蹈）、现代舞等。
按上述形式可以编出多幕芭蕾，分场或不分 场，如《天鹅湖》;独幕芭蕾，如《仙女们》；芭蕾小品，如《天鹅之死》 等。芭蕾的这种结构形式在19世纪后期发展到高度规范化和程式 化，以致影响和限制了芭蕾的发展。
在20世纪编导创作的大量芭 蕾作品中，这些规范和程式已被大大突破，不断出现新的探索和创。收起
